Con proyección nacional e internacional, la joven artista se presenta nuevamente en el espacio Abra Cultural el próximo 6 de Octubre.

 

Multifacética  y en constante movimiento, Servio Olavide, una de las artistas argentinas de la nueva generación, estrenó  el pasado viernes 15  de septiembre, “El reverso de la piel, espacio olvidado”, curado por Agustina Rinaldi y dirigido por Santiago Cejas. Como expansión de Devenir Animal, la obra de Servio exhibida en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en el mes de septiembre y curada por Rinaldi, “El reverso de la piel, espacio olvidado” invita al visitante a hackear lo humano mediante la identificación con la “otredad”, como los animales y la naturaleza.

 “Como una manera de quebrar el aspecto depredador heredado que hemos perpetuado para ser uno con la flora y la fauna”, explica Martina. De este híbrido entre el teatro y el acto expositivo resulta una nueva zona de contacto, donde estas (trans)especies -humano-animal-planta- pueden convivir deviniendo como único fin.

El próximo 6 de Octubre, a las 19hs, el público podrá volver a tomar contacto con la obra de Servio Olavide que plantea un diálogo entre pintura, escultura, cine y teatro. “Ese diálogo es todo lo que soy”, sintetiza.    

 

SOBRE SERVIO OLAVIDE

Nacida en Córdoba, Servio de 27 años, se inició en la pintura de manera autodidacta. Luego de cursar tres años de Licenciatura en Ciencia Política en la Universidad Católica, fundó y dirigió el Espacio Cultural Media Verónica en el barrio Alberdi de dicha ciudad. Estudió actuación, realizó diversos cursos y talleres. Se destacó en  Estados Unidos e hizo residencias en España e Inglaterra. Actualmente vive en Buenos Aires, y tiene su taller permanente en Central Park, en el barrio de Barracas.  Su primera muestra en 2022, “Lo efímero de las cosas”, marcó gran impacto en la escena local y fue el resultado de un proceso de trabajo que llevó casi 9 meses. Parte de su obra  fue exhibida en el prestigioso Museo de Arte Contemporáneo Madre, en Nápoles, a principios de este año, en los talleres abiertos de Par en Park  y en la séptima edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) en el CCK que se llevó a cabo en junio.

 Los temas de género tienen una fuerte presencia en sus obras que apuestan a la transformación. En el abanico que propone en su trabajo, emergen distintas disciplinas entre las que se destacan la literatura con su libro, “La Búsqueda del Infinito por los Esclavos de la Frustración”, que funciona como un punto de entrada y conexión a su obra. Al tiempo que combina pinturas, acrílicos, óleos, grabados, esculturas e instalaciones.

 

 

 

 

 

 

 

 

Una nueva muestra cultural  se llevó a cabo en el Casal de Catalunya de Buenos Aires . Gabriel Balbo , especialista en geopolítica y Relaciones internacionales fue el encargado de realizar ésta presentación ,a través de interesantes afiches , carteles sobre la cultura catalana, especialmente en éste caso de Barcelona , lugar donde residió por tres años y que según sus palabras ,tiene un recuerdo muy especial .

Balbo explicaba que a través de los distintos afiches se puede visualizar y conocer más aún sobre la cultura catalana. Manifestó su alegría de realizar ésta muestra en el Casal de Catalunya de Buenos Aires .

El Presidente del Casal Ariel Vives i_Bloise se refirió acerca de la importancia de cada exposición cultural y muestra  realizada en.la Sala Tapies del Casal  de Buenos Aires, como la de éstos carteles , que dejan ver el arte gráfico .

La encargada de Cultura del Casal de Buenos Aires, la licenciada Adriana Rodríguez manifestó la importancia de seguir trazando puentes culturales . Asimismo , destacó ésta y todos eventos culturales realizados en éste lugar , donde se pondera la cultura.

El Vicepresidente del Casal, Gabriel Planas, Viviana Sanchís, una de las encargadas de eventos del lugar,  Adriana Curti, Jordi Mateu, miembros de la comisión directiva del Casal de BS As ,coincidieron en destacar la muestra de Balbo y todas las que se realizan allí .  Por otra parte ,entre los presentes estuvieron la escritora  Emanuela Speranza, Pablo Kornblum, licenciado en Economía y Estudios  internacionales,y público presente , quienes coincidieron en lo maravilloso de la  muestra

El músico Santiago Mendoza fue el encargado de acompañar la muestra con su música .

Sin lugar a dudas, el Casal de Catalunya de Bs As sigue deslumbrando con cada evento cultural desde Argentina al resto del mundo .

 Nota: Periodista Gabriela Peralta

VF7, la artista boricua con una corta pero brillante carrera artística, les regala a sus fanáticos un nuevo tema para celebrar la navidad “Light zone”, una canción muy especial que proviene directamente desde su corazón y que se convierte en un salto hacia otros géneros como lo es el reggae. El tema se estrena con su video musical oficial y está disponible en todas las plataformas digitales. 

Talento, innovación y letras poderosas se unen para describir a una artista como VF7, quien en esta ocasión presenta “Light zone”, lo que comenzó como un trap pronto fue fusionado con el reggae  y se convirtió en un tema muy especial para VF7, una grabación acústica con músicos en vivo y una experiencia completamente nueva en su corta carrera discográfica.

Los productores Orlando Navarro y Dimelo Nino, trabajaron de la mano junto a músicos que tocan con bandas de reggae reconocidas a nivel mundial; entre ellos Bebo Dumont, baterista de Cultura Profetica, Benson Pagan en la Guitarra, Héctor Meléndez en el teclado, Emilio “Barba” Méndez en el piano y en el Bajo Josué “Messy” Deprat.

“La canción cuenta la historia de una relación fracasada que tuve hace un tiempo, pero, aunque va de la luz a la obscuridad en la letra; se llama Light Zone porque ahí es donde me encuentro ahora, con mucha luz en todos los sentidos” comparte Valeria quien también escribió el tema.

“Light zone” se estrena con su videoclip oficial bajo la producción y dirección de Alejandro Borelli. La pieza audiovisual se realizó mientras VF7 se encontraba en el estudio grabando el tema, un manera de mostrarle al público el tras cámara que conlleva la producción de una canción y el sentir de una artista en uno de sus momentos más vulnerables. 

El tema se estrena como una celebración de un excelente año artístico para VF7 y ya está disponible junto a su video oficial en todas las plataformas digitales.

Viviana Drago es una artista plástica que expone habitualmente en ferias, museos y galerías de renombre de Buenos Aires, Miami y Punta del Este. Ha sido distinguida por diversos jurados por su calidad creativa y muchas de sus obras fueron adquiridas para ser exhibidas en hoteles de lujo. Te la presentamos.  

 

P: ¿De dónde proviene tu inspiración?

V.D: Muchas veces mi inspiración llega por una imagen que veo, o un color, y otras veces no hay una inspiración previa. A veces poniendo la primera pincelada aparece una historia. Puedo estar entre 4 y 6 horas sin parar pero en realidad no hay nada fijo, no soy muy metódica. 

P: ¿Qué podés contar de tu técnica y tu diferencial?

V.D: Mis pinturas navegan entre lo abstracto y la figuración, inclinándome más recientemente hacia lo minimalista.. Creo que eso habla del orden y el desorden, una cierta entropía, en donde los elementos abstractos conforman una sintaxis diferente enalteciendo los gestos pictóricos informales, como las manchas, garabatos, incluso el uso de materiales no convencionales, como la brea. La composición de mi pintura está basada en los contrastes de color, de formas, colores que pueden ser aguados o compactos, formas de carácter geométrico aparecen junto a patrones que evocan a un empapelado.  Trabajo sobre soportes de tamaño grande con acrílico como materia principal con un predominio de colores tierra, naturales, ocres, grises y negro. Los mismos colores van creando relaciones espaciales adelantando o atrasando planos. Me gusta incursionar con nuevos elementos, la parte lúdica del pintor, poder lograr nuevos matices con el uso del té, el café o la cúrcuma.

P: ¿Cómo definirías al arte?

V.D: El Arte para mi es una herramienta de comunicación personal, hay un diálogo entre la obra y quien la observa, un diálogo muy íntimo. El observador la carga de sentido. Todas las interpretaciones son válidas en función de los estímulos que nos ofrece. Cuando pinto hay algo en movimiento. Uno está concentrado y, de repente, hay un salto a lo incierto, una intuición placentera, confiada. 

 

P: ¿Se puede vivir del arte?

V.D: Vivir del arte a veces se hace difícil pero uno puede trabajar para el branding de alguna empresa o ser muralista o dedicarse a la docencia. Está el artista muy cotizado que tiene la oportunidad de vivir del arte, pero no es así para todos. Además, el arte también tiene su grado de inversión, soportes, materiales. Herramientas. Muchas veces lo que se gana termina reinvirtiéndose

 

P: ¿Qué le dirías a un joven que hoy se inclina por el camino del arte? 

V.D: A un joven le recomendaría que se forme todo lo que pueda, que acuda a quien considere un referente, que participe y se presente en convocatorias, becas, subsidios, premios.

 

P: ¿La era digital aniquiló el talento creativo?

V.D: No, todo lo contrario, lo potenció. La virtualidad se transformó en una vía de producción artística: producciones estéticas hechas digitalmente, redes sociales capaces de crear verdaderos collages, pero los museos están vivitos y coleando. Las obras se siguen colgando en las paredes. Es más, antes si uno quería visitar el Museo de Arte Moderno de N.Y tenía que comprar un pasaje de avión. Hoy está la posibilidad de verlo en nuestros celulares, acceder a una conferencia en vivo. A favor también puedo decir que nos permite a los artistas llegar a un público mas grande a través de su plataforma digital que es una gran vidriera para promocionar su arte.

 

P: ¿Qué lugar considerás que ocupa el arte en la actualidad?

V.D: Hay una gran movida de jóvenes artistas o consumidores de arte. Hoy la calle parece una galería abierta, muralismo, arte callejero. Ahí hay mucho potencial, mucho talento.  También hay una movida cultural nocturna muy interesante, relacionada también con el turismo. Hay muchas propuestas y hay mucha recepción. Hay un público interesado en conocer el patrimonio de la ciudad, las galerías, los espacios culturales. La nueva camada de artistas está transformando lugares marginados, abandonados, sucios, grises, en barrios atractivos, pintorescos, que mejoran el entorno y, por ende, la calidad de vida, así como lo hiciera Benito Quinquela Martín con La Boca.

 

P: ¿Podrías hoy vivir sin pintar? 

V.D: No. El arte me permite convertirme en muchos personajes, en volver a dar vida. La creación es como dar a luz. Cada cuadro es un hijo. El arte cura, doma demonios, cumple fantasías. Salva.  

El artista plástico  Gyula Kosice realizará una exposición de 27 de sus obras más importantes en la ciudad de Košice, en Eslovaquia.

La muestra, llamada Hydrokinetik, contó con el apoyo de la Embajada de Eslovaquia en Argentina y la empresa alemana Henkel, motorizada por el vivo interés de las autoridades eslovacas de homenajear a uno de los artistas plásticos contemporáneos más importantes del siglo XX en su país de nacimiento. Ya en el 2014 se montó frente al Kunsthalle de Košice la obra Júbilo, como reconocimiento a su impronta internacional.


Hydrokinetik presenta diversas obras históricas del artista, con el protagonismo de las obras con agua, luz y movimiento, pinturas y esculturas Madí, y piezas de la Ciudad Hidroespacial. Las mismas pertenecen a museos, galerías y colecciones de Europa; incluyendo obras expuestas en el Centro Cultural Pompidou desde la inauguración de una sala enteramente dedicada a su trayectoria en el 2013. Allí fue consagrado una vez más como un visionario del arte contemporáneo, según la curadora Camille Morineau.

La exposición llega a Košice luego de su primera exhibición organizada por Galería de la Ciudad de Bratislava en el Palacio Mirbach.


Košice es la ciudad donde Gyula Kosice nació hace casi 92 años, de la cual tomó su nombre. A los 4 años migró a la Argentina, donde creció y desarrolló su trayectoria artística alternando con estadías en Francia.

La muestra se inaugurará el próximo 4 de febrero en la Galería de Eslovaquia del Este (Východoslovenská galéria) y permanecerá abierta hasta el 6 de marzo.

netmedia argentina

 

.Cardinal inauguró el ciclo de actividades culturales 2016 con la muestra “Candombes, tangos y murgas” de los artistas plásticos Héctor y Serrana del Castillo

Silvia Pucurull, el Arq. Marcelo Armas y Beatriz Pérez

El arquitecto a cargo del proyecto Marcelo Armas junto a los directivos de las inmobiliarias Pucurull y Tizado recibieron a clientes, amigos, autoridades y prensa en las instalaciones del emprendimiento donde los asistentes disfrutaron de un cóctel y tuvieron la oportunidad de recorrer el showroom de los apartamentos decorados especialmente con obras de los artistas del Castillo en una original modalidad de muestra, con una selección de sus últimas creaciones.

Héctor y Serrana del Castillo

Es de destacar que padre e hija se caracterizan por sus trabajos en acrílico sobre tela y serigrafías. Ambos comparten la planta de colores; Héctor orientado al realismo mágico y Serrana a la pintura contemporánea.


La velada inauguración del ciclo cultural .Cardinal 2016 sorprendió a los invitados con la actuación de una cuerda de tambores acompañada con los entrañables personajes de la Mama vieja, su compañero y la bailarina que animaron a bailar al ritmo del candombe, uno de los ritmos elegidos por los artistas para esta muestra.


Acerca de Cardinal
El mayor emprendimiento inmobiliario en el interior del país amparado en la ley 18.795 - Exoneración de impuesto a la renta de alquileres por 10 años (IRPF/IRAE), al Patrimonio por 10 años, y de Transmisión Patrimonial (ITP)- estratégicamente ubicado en la ciudad de Maldonado.

Acerca de los artistas
Héctor del Castillo (4 de noviembre 1943) uruguayo, nacido en Montevideo, comienza su actividad artística en el Taller de Jorge Damiani y a partir de su primera muestra “Naif” en 1967 ha continuado con numerosas exposiciones.

Serrana del Castillo (1 de noviembre 1981) uruguaya, nacida en Montevideo, asiste al Taller Montevideo, Taller Clever Lara, Taller Oscar Larroca y realiza escultura en madera con el escultor Pablo Damiani y junto a su padre. En 2013 obtuvo premio Nacional Infantil y el primer premio en la Feria del Libro.

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 12 de enero a las 19 hs. una exposición antológica del artista argentino Roberto Plate, en la que se presenta su obra pictórica, su labor como escenógrafo y se recrean varias de sus instalaciones históricas.


Buenos Aires – París – Buenos Aires se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, ligado a los vaivenes de la vida social y política del país desde los años sesenta.

La exposición permite acceder al original universo poético de Plate y apreciar la compleja articulación de todas sus líneas de trabajo, que van de la pintura a la escenografía, de la performance a la instalación, construyendo un interrogante radical a nuestra época desde diversos registros.


La muestra cuenta con la curaduría de Raúl Santana y el apoyo de la Embajada de Francia en Argentina, y reúne algunas de las obras más importantes del artista en su faceta como pintor y de su incursión en diferentes técnicas y géneros que abarcan el arte conceptual, las instalaciones, el happening y el teatro.

En el núcleo histórico de la exposición se exhiben aquellas obras emblemáticas que Plate realizara en la década del sesenta. Se trata de las instalaciones que imitan la realidad en un intento de que el público no lo advierta, como Los ascensores (1967, Museo de Arte Moderno) y Baños Públicos (1968, Instituto Di Tella), obra que, debido a los grafitis contra la dictadura militar del General Juan Carlos Onganía pintados por el público, provocó la clausura de la muestra constituyendo uno de los hitos y de las mayores censuras en la historia del arte argentino. Este hecho marcó la carrera y la vida de Plate y motivó su partida hacia París, ciudad donde aún reside.

También forma parte de la muestra una de sus obras de mayor impacto visual, la nueva versión de la instalación Reflejos, presentada originalmente en París en la década del noventa.

Asimismo, la exhibición cuenta con un video documental que recopila entrevistas, registros de muestras anteriores, instalaciones, escenografías, trabajo en el taller y cortos que dan cuenta de la gran trayectoria que Roberto Plate ha desarrollado en Europa y Argentina.

“Es un orgullo presentar esta exposición antológica de Roberto Plate en el comienzo de mi gestión como Director del Museo Nacional de Bellas Artes”, sostiene Andrés Duprat. “La muestra se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, que padeció censuras, exilios y exclusiones del sistema de circulación de las artes. Podemos considerar su corpus de obra como un proceso de búsqueda e indagación constante sobre el sentido de un mundo en mutación. El artista le toma el pulso a cada época, la condensa, la conjura, le mira el revés de la trama; irreverente ante la historia, vive intensamente en la más pura contemporaneidad”.

“La obra de Roberto Plate parece responder con sus aristas múltiples, a aquella reflexión aristotélica que dice: toda materia desea ser forma, pero no se puede llegar a la forma sin interpretar el deseo de la materia, que es lo que nuestro artista ha sabido encontrar en cada una de sus más variadas expresiones”, sostiene por su parte Raúl Santana en su texto curatorial.

Roberto Plate nació en 1940 en Buenos Aires. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich a principios de los sesenta y vive en París desde 1970. Sus obras se han exhibido en el Instituto Di Tella, la Fundación Klemm, Fundación Proa, Galería Praxis, Galería Wussmann, Centro Cultural Recoleta, École de Beaux-Arts y Galerie Skyline de París, y sus escenografías fueron puestas en escena de algunos de los teatros líricos más importantes del mundo.

Roberto Plate. Buenos Aires - París - Buenos Aires. Antológica podrá visitarse hasta el 27 de marzo, de martes a viernes de 12:30 a 20 hs., y sábados y domingos de 9:30 a 20 hs. Se realizarán visitas guiadas a la exposición a partir del 21 de enero, de jueves a domingos a las 18 hs.


Roberto Plate. Buenos Aires - París - Buenos Aires. Antológica
Del 12 de enero al 27 de marzo de 2016.
Pabellón de exposiciones temporarias MNBA.
Entrada libre y gratuita.

Xippas Arte Contemporáneo tiene el placer de anunciar la exposición individual del artista Cao Guimarães en nuestro nuevo espacio de Manantiales

Su obra captura fenómenos cotidianos que pueden pasar desapercibidos frente al ritmo acelerado de la sociedad contemporánea. Lo que no es visto, sino apenas insinuado, cobra protagonismo. A través de una mirada atenta y poética, el artista transforma la percepción temporal, generando en el espectador una especie de pausa, una contemplación dilatada de la realidad. Mirar el mundo a través de un lente, encuadrar la realidad posee en si una dimensión subjetiva intrínseca.

Para aquellos que ya conocen un poco de su obra, es evidente que viajar ocupa un lugar privilegiado en el léxico de Cao Guimarães. Salir de casa, conocer lugares al azar y encontrar personajes espontáneos está en la raíz de muchos de sus trabajos por lo que es difícil distinguir el artista del viajero.

Las series fotográficas, y polípticos,  presentadas en esta exposición fueron capturadas en estados de ocio cinematográfico. No requirieron de grandes producciones, no hacen discursos sobre el mundo ni revelan ninguna verdad documental. Son capturas de quién mira mucho hacia el piso, como si buscase una cosa que no perdió. Mas aún, son recapturas hechas en la relectura de rollos y rollos de material bruto (fílmico y fotográfico) que el artista-editor vuelve a visitar años después del uso inicial de este material.

Cao Guimarães me envió el siguiente fragmento de la Patafísica de los Fantasmas de René Daumal:
“¿Qué es un agujero?... Un agujero es una ausencia rodeada de presencias… Un fantasma es de hecho un agujero: pero un agujero al que se le atribuyen intenciones, una sensibilidad, costumbres; un agujero, es decir una ausencia, pero una ausencia de alguien, no de alguna cosa, rodeada de presencias, de presencias de alguien o de algunos. Un fantasma es una ausencia rodeada de presentes. Y como es la sustancia agujereada lo que determina la forma del agujero y no la ausencia que rodea esta presencia, así, cuando atribuimos intenciones, costumbres y una sensibilidad a un fantasma, estos atributos no residen en el ausente sino en el presente que rodea al fantasma”.

La cita es tres veces pertinente. Primero porque construye esa definición mutable de alguna cosa por su ausente y, simultáneamente, la definición del ausente por los presentes- y eso es de gran importancia en los juegos entre viajar y encontrarse a si mismo provocados por Cao. Después, porque al hablar de agujeros, pensamos en caminos, tropiezos y caminatas con los ojos que apuntan hacia el piso- esa superficie tan predominante en esta exposición, en la que un buen porcentaje de las obras son creadas a través de encuentros fortuitos con signos, indicios sobre la tierra. Y finalmente, porque brota de la notoria, absurda y fascinante (in)disciplina de la patafísica.

Paulo Miyada

Inauguración:  26 de diciembre de 2015
Xippas Punta del Este (Ruta 10 km 164 Manantiales)


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