Con proyección nacional e internacional, la joven artista se presenta nuevamente en el espacio Abra Cultural el próximo 6 de Octubre.

 

Multifacética  y en constante movimiento, Servio Olavide, una de las artistas argentinas de la nueva generación, estrenó  el pasado viernes 15  de septiembre, “El reverso de la piel, espacio olvidado”, curado por Agustina Rinaldi y dirigido por Santiago Cejas. Como expansión de Devenir Animal, la obra de Servio exhibida en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en el mes de septiembre y curada por Rinaldi, “El reverso de la piel, espacio olvidado” invita al visitante a hackear lo humano mediante la identificación con la “otredad”, como los animales y la naturaleza.

 “Como una manera de quebrar el aspecto depredador heredado que hemos perpetuado para ser uno con la flora y la fauna”, explica Martina. De este híbrido entre el teatro y el acto expositivo resulta una nueva zona de contacto, donde estas (trans)especies -humano-animal-planta- pueden convivir deviniendo como único fin.

El próximo 6 de Octubre, a las 19hs, el público podrá volver a tomar contacto con la obra de Servio Olavide que plantea un diálogo entre pintura, escultura, cine y teatro. “Ese diálogo es todo lo que soy”, sintetiza.    

 

SOBRE SERVIO OLAVIDE

Nacida en Córdoba, Servio de 27 años, se inició en la pintura de manera autodidacta. Luego de cursar tres años de Licenciatura en Ciencia Política en la Universidad Católica, fundó y dirigió el Espacio Cultural Media Verónica en el barrio Alberdi de dicha ciudad. Estudió actuación, realizó diversos cursos y talleres. Se destacó en  Estados Unidos e hizo residencias en España e Inglaterra. Actualmente vive en Buenos Aires, y tiene su taller permanente en Central Park, en el barrio de Barracas.  Su primera muestra en 2022, “Lo efímero de las cosas”, marcó gran impacto en la escena local y fue el resultado de un proceso de trabajo que llevó casi 9 meses. Parte de su obra  fue exhibida en el prestigioso Museo de Arte Contemporáneo Madre, en Nápoles, a principios de este año, en los talleres abiertos de Par en Park  y en la séptima edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) en el CCK que se llevó a cabo en junio.

 Los temas de género tienen una fuerte presencia en sus obras que apuestan a la transformación. En el abanico que propone en su trabajo, emergen distintas disciplinas entre las que se destacan la literatura con su libro, “La Búsqueda del Infinito por los Esclavos de la Frustración”, que funciona como un punto de entrada y conexión a su obra. Al tiempo que combina pinturas, acrílicos, óleos, grabados, esculturas e instalaciones.

 

 

 

 

 

 

 

 

Una nueva muestra cultural  se llevó a cabo en el Casal de Catalunya de Buenos Aires . Gabriel Balbo , especialista en geopolítica y Relaciones internacionales fue el encargado de realizar ésta presentación ,a través de interesantes afiches , carteles sobre la cultura catalana, especialmente en éste caso de Barcelona , lugar donde residió por tres años y que según sus palabras ,tiene un recuerdo muy especial .

Balbo explicaba que a través de los distintos afiches se puede visualizar y conocer más aún sobre la cultura catalana. Manifestó su alegría de realizar ésta muestra en el Casal de Catalunya de Buenos Aires .

El Presidente del Casal Ariel Vives i_Bloise se refirió acerca de la importancia de cada exposición cultural y muestra  realizada en.la Sala Tapies del Casal  de Buenos Aires, como la de éstos carteles , que dejan ver el arte gráfico .

La encargada de Cultura del Casal de Buenos Aires, la licenciada Adriana Rodríguez manifestó la importancia de seguir trazando puentes culturales . Asimismo , destacó ésta y todos eventos culturales realizados en éste lugar , donde se pondera la cultura.

El Vicepresidente del Casal, Gabriel Planas, Viviana Sanchís, una de las encargadas de eventos del lugar,  Adriana Curti, Jordi Mateu, miembros de la comisión directiva del Casal de BS As ,coincidieron en destacar la muestra de Balbo y todas las que se realizan allí .  Por otra parte ,entre los presentes estuvieron la escritora  Emanuela Speranza, Pablo Kornblum, licenciado en Economía y Estudios  internacionales,y público presente , quienes coincidieron en lo maravilloso de la  muestra

El músico Santiago Mendoza fue el encargado de acompañar la muestra con su música .

Sin lugar a dudas, el Casal de Catalunya de Bs As sigue deslumbrando con cada evento cultural desde Argentina al resto del mundo .

 Nota: Periodista Gabriela Peralta

VF7, la artista boricua con una corta pero brillante carrera artística, les regala a sus fanáticos un nuevo tema para celebrar la navidad “Light zone”, una canción muy especial que proviene directamente desde su corazón y que se convierte en un salto hacia otros géneros como lo es el reggae. El tema se estrena con su video musical oficial y está disponible en todas las plataformas digitales. 

Talento, innovación y letras poderosas se unen para describir a una artista como VF7, quien en esta ocasión presenta “Light zone”, lo que comenzó como un trap pronto fue fusionado con el reggae  y se convirtió en un tema muy especial para VF7, una grabación acústica con músicos en vivo y una experiencia completamente nueva en su corta carrera discográfica.

Los productores Orlando Navarro y Dimelo Nino, trabajaron de la mano junto a músicos que tocan con bandas de reggae reconocidas a nivel mundial; entre ellos Bebo Dumont, baterista de Cultura Profetica, Benson Pagan en la Guitarra, Héctor Meléndez en el teclado, Emilio “Barba” Méndez en el piano y en el Bajo Josué “Messy” Deprat.

“La canción cuenta la historia de una relación fracasada que tuve hace un tiempo, pero, aunque va de la luz a la obscuridad en la letra; se llama Light Zone porque ahí es donde me encuentro ahora, con mucha luz en todos los sentidos” comparte Valeria quien también escribió el tema.

“Light zone” se estrena con su videoclip oficial bajo la producción y dirección de Alejandro Borelli. La pieza audiovisual se realizó mientras VF7 se encontraba en el estudio grabando el tema, un manera de mostrarle al público el tras cámara que conlleva la producción de una canción y el sentir de una artista en uno de sus momentos más vulnerables. 

El tema se estrena como una celebración de un excelente año artístico para VF7 y ya está disponible junto a su video oficial en todas las plataformas digitales.

Viviana Drago es una artista plástica que expone habitualmente en ferias, museos y galerías de renombre de Buenos Aires, Miami y Punta del Este. Ha sido distinguida por diversos jurados por su calidad creativa y muchas de sus obras fueron adquiridas para ser exhibidas en hoteles de lujo. Te la presentamos.  

 

P: ¿De dónde proviene tu inspiración?

V.D: Muchas veces mi inspiración llega por una imagen que veo, o un color, y otras veces no hay una inspiración previa. A veces poniendo la primera pincelada aparece una historia. Puedo estar entre 4 y 6 horas sin parar pero en realidad no hay nada fijo, no soy muy metódica. 

P: ¿Qué podés contar de tu técnica y tu diferencial?

V.D: Mis pinturas navegan entre lo abstracto y la figuración, inclinándome más recientemente hacia lo minimalista.. Creo que eso habla del orden y el desorden, una cierta entropía, en donde los elementos abstractos conforman una sintaxis diferente enalteciendo los gestos pictóricos informales, como las manchas, garabatos, incluso el uso de materiales no convencionales, como la brea. La composición de mi pintura está basada en los contrastes de color, de formas, colores que pueden ser aguados o compactos, formas de carácter geométrico aparecen junto a patrones que evocan a un empapelado.  Trabajo sobre soportes de tamaño grande con acrílico como materia principal con un predominio de colores tierra, naturales, ocres, grises y negro. Los mismos colores van creando relaciones espaciales adelantando o atrasando planos. Me gusta incursionar con nuevos elementos, la parte lúdica del pintor, poder lograr nuevos matices con el uso del té, el café o la cúrcuma.

P: ¿Cómo definirías al arte?

V.D: El Arte para mi es una herramienta de comunicación personal, hay un diálogo entre la obra y quien la observa, un diálogo muy íntimo. El observador la carga de sentido. Todas las interpretaciones son válidas en función de los estímulos que nos ofrece. Cuando pinto hay algo en movimiento. Uno está concentrado y, de repente, hay un salto a lo incierto, una intuición placentera, confiada. 

 

P: ¿Se puede vivir del arte?

V.D: Vivir del arte a veces se hace difícil pero uno puede trabajar para el branding de alguna empresa o ser muralista o dedicarse a la docencia. Está el artista muy cotizado que tiene la oportunidad de vivir del arte, pero no es así para todos. Además, el arte también tiene su grado de inversión, soportes, materiales. Herramientas. Muchas veces lo que se gana termina reinvirtiéndose

 

P: ¿Qué le dirías a un joven que hoy se inclina por el camino del arte? 

V.D: A un joven le recomendaría que se forme todo lo que pueda, que acuda a quien considere un referente, que participe y se presente en convocatorias, becas, subsidios, premios.

 

P: ¿La era digital aniquiló el talento creativo?

V.D: No, todo lo contrario, lo potenció. La virtualidad se transformó en una vía de producción artística: producciones estéticas hechas digitalmente, redes sociales capaces de crear verdaderos collages, pero los museos están vivitos y coleando. Las obras se siguen colgando en las paredes. Es más, antes si uno quería visitar el Museo de Arte Moderno de N.Y tenía que comprar un pasaje de avión. Hoy está la posibilidad de verlo en nuestros celulares, acceder a una conferencia en vivo. A favor también puedo decir que nos permite a los artistas llegar a un público mas grande a través de su plataforma digital que es una gran vidriera para promocionar su arte.

 

P: ¿Qué lugar considerás que ocupa el arte en la actualidad?

V.D: Hay una gran movida de jóvenes artistas o consumidores de arte. Hoy la calle parece una galería abierta, muralismo, arte callejero. Ahí hay mucho potencial, mucho talento.  También hay una movida cultural nocturna muy interesante, relacionada también con el turismo. Hay muchas propuestas y hay mucha recepción. Hay un público interesado en conocer el patrimonio de la ciudad, las galerías, los espacios culturales. La nueva camada de artistas está transformando lugares marginados, abandonados, sucios, grises, en barrios atractivos, pintorescos, que mejoran el entorno y, por ende, la calidad de vida, así como lo hiciera Benito Quinquela Martín con La Boca.

 

P: ¿Podrías hoy vivir sin pintar? 

V.D: No. El arte me permite convertirme en muchos personajes, en volver a dar vida. La creación es como dar a luz. Cada cuadro es un hijo. El arte cura, doma demonios, cumple fantasías. Salva.  

El artista plástico  Gyula Kosice realizará una exposición de 27 de sus obras más importantes en la ciudad de Košice, en Eslovaquia.

La muestra, llamada Hydrokinetik, contó con el apoyo de la Embajada de Eslovaquia en Argentina y la empresa alemana Henkel, motorizada por el vivo interés de las autoridades eslovacas de homenajear a uno de los artistas plásticos contemporáneos más importantes del siglo XX en su país de nacimiento. Ya en el 2014 se montó frente al Kunsthalle de Košice la obra Júbilo, como reconocimiento a su impronta internacional.


Hydrokinetik presenta diversas obras históricas del artista, con el protagonismo de las obras con agua, luz y movimiento, pinturas y esculturas Madí, y piezas de la Ciudad Hidroespacial. Las mismas pertenecen a museos, galerías y colecciones de Europa; incluyendo obras expuestas en el Centro Cultural Pompidou desde la inauguración de una sala enteramente dedicada a su trayectoria en el 2013. Allí fue consagrado una vez más como un visionario del arte contemporáneo, según la curadora Camille Morineau.

La exposición llega a Košice luego de su primera exhibición organizada por Galería de la Ciudad de Bratislava en el Palacio Mirbach.


Košice es la ciudad donde Gyula Kosice nació hace casi 92 años, de la cual tomó su nombre. A los 4 años migró a la Argentina, donde creció y desarrolló su trayectoria artística alternando con estadías en Francia.

La muestra se inaugurará el próximo 4 de febrero en la Galería de Eslovaquia del Este (Východoslovenská galéria) y permanecerá abierta hasta el 6 de marzo.

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.Cardinal inauguró el ciclo de actividades culturales 2016 con la muestra “Candombes, tangos y murgas” de los artistas plásticos Héctor y Serrana del Castillo

Silvia Pucurull, el Arq. Marcelo Armas y Beatriz Pérez

El arquitecto a cargo del proyecto Marcelo Armas junto a los directivos de las inmobiliarias Pucurull y Tizado recibieron a clientes, amigos, autoridades y prensa en las instalaciones del emprendimiento donde los asistentes disfrutaron de un cóctel y tuvieron la oportunidad de recorrer el showroom de los apartamentos decorados especialmente con obras de los artistas del Castillo en una original modalidad de muestra, con una selección de sus últimas creaciones.

Héctor y Serrana del Castillo

Es de destacar que padre e hija se caracterizan por sus trabajos en acrílico sobre tela y serigrafías. Ambos comparten la planta de colores; Héctor orientado al realismo mágico y Serrana a la pintura contemporánea.


La velada inauguración del ciclo cultural .Cardinal 2016 sorprendió a los invitados con la actuación de una cuerda de tambores acompañada con los entrañables personajes de la Mama vieja, su compañero y la bailarina que animaron a bailar al ritmo del candombe, uno de los ritmos elegidos por los artistas para esta muestra.


Acerca de Cardinal
El mayor emprendimiento inmobiliario en el interior del país amparado en la ley 18.795 - Exoneración de impuesto a la renta de alquileres por 10 años (IRPF/IRAE), al Patrimonio por 10 años, y de Transmisión Patrimonial (ITP)- estratégicamente ubicado en la ciudad de Maldonado.

Acerca de los artistas
Héctor del Castillo (4 de noviembre 1943) uruguayo, nacido en Montevideo, comienza su actividad artística en el Taller de Jorge Damiani y a partir de su primera muestra “Naif” en 1967 ha continuado con numerosas exposiciones.

Serrana del Castillo (1 de noviembre 1981) uruguaya, nacida en Montevideo, asiste al Taller Montevideo, Taller Clever Lara, Taller Oscar Larroca y realiza escultura en madera con el escultor Pablo Damiani y junto a su padre. En 2013 obtuvo premio Nacional Infantil y el primer premio en la Feria del Libro.

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 12 de enero a las 19 hs. una exposición antológica del artista argentino Roberto Plate, en la que se presenta su obra pictórica, su labor como escenógrafo y se recrean varias de sus instalaciones históricas.


Buenos Aires – París – Buenos Aires se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, ligado a los vaivenes de la vida social y política del país desde los años sesenta.

La exposición permite acceder al original universo poético de Plate y apreciar la compleja articulación de todas sus líneas de trabajo, que van de la pintura a la escenografía, de la performance a la instalación, construyendo un interrogante radical a nuestra época desde diversos registros.


La muestra cuenta con la curaduría de Raúl Santana y el apoyo de la Embajada de Francia en Argentina, y reúne algunas de las obras más importantes del artista en su faceta como pintor y de su incursión en diferentes técnicas y géneros que abarcan el arte conceptual, las instalaciones, el happening y el teatro.

En el núcleo histórico de la exposición se exhiben aquellas obras emblemáticas que Plate realizara en la década del sesenta. Se trata de las instalaciones que imitan la realidad en un intento de que el público no lo advierta, como Los ascensores (1967, Museo de Arte Moderno) y Baños Públicos (1968, Instituto Di Tella), obra que, debido a los grafitis contra la dictadura militar del General Juan Carlos Onganía pintados por el público, provocó la clausura de la muestra constituyendo uno de los hitos y de las mayores censuras en la historia del arte argentino. Este hecho marcó la carrera y la vida de Plate y motivó su partida hacia París, ciudad donde aún reside.

También forma parte de la muestra una de sus obras de mayor impacto visual, la nueva versión de la instalación Reflejos, presentada originalmente en París en la década del noventa.

Asimismo, la exhibición cuenta con un video documental que recopila entrevistas, registros de muestras anteriores, instalaciones, escenografías, trabajo en el taller y cortos que dan cuenta de la gran trayectoria que Roberto Plate ha desarrollado en Europa y Argentina.

“Es un orgullo presentar esta exposición antológica de Roberto Plate en el comienzo de mi gestión como Director del Museo Nacional de Bellas Artes”, sostiene Andrés Duprat. “La muestra se propone como un homenaje a la trayectoria de un artista insoslayable de nuestra historia, que padeció censuras, exilios y exclusiones del sistema de circulación de las artes. Podemos considerar su corpus de obra como un proceso de búsqueda e indagación constante sobre el sentido de un mundo en mutación. El artista le toma el pulso a cada época, la condensa, la conjura, le mira el revés de la trama; irreverente ante la historia, vive intensamente en la más pura contemporaneidad”.

“La obra de Roberto Plate parece responder con sus aristas múltiples, a aquella reflexión aristotélica que dice: toda materia desea ser forma, pero no se puede llegar a la forma sin interpretar el deseo de la materia, que es lo que nuestro artista ha sabido encontrar en cada una de sus más variadas expresiones”, sostiene por su parte Raúl Santana en su texto curatorial.

Roberto Plate nació en 1940 en Buenos Aires. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Múnich a principios de los sesenta y vive en París desde 1970. Sus obras se han exhibido en el Instituto Di Tella, la Fundación Klemm, Fundación Proa, Galería Praxis, Galería Wussmann, Centro Cultural Recoleta, École de Beaux-Arts y Galerie Skyline de París, y sus escenografías fueron puestas en escena de algunos de los teatros líricos más importantes del mundo.

Roberto Plate. Buenos Aires - París - Buenos Aires. Antológica podrá visitarse hasta el 27 de marzo, de martes a viernes de 12:30 a 20 hs., y sábados y domingos de 9:30 a 20 hs. Se realizarán visitas guiadas a la exposición a partir del 21 de enero, de jueves a domingos a las 18 hs.


Roberto Plate. Buenos Aires - París - Buenos Aires. Antológica
Del 12 de enero al 27 de marzo de 2016.
Pabellón de exposiciones temporarias MNBA.
Entrada libre y gratuita.

Xippas Arte Contemporáneo tiene el placer de anunciar la exposición individual del artista Cao Guimarães en nuestro nuevo espacio de Manantiales

Su obra captura fenómenos cotidianos que pueden pasar desapercibidos frente al ritmo acelerado de la sociedad contemporánea. Lo que no es visto, sino apenas insinuado, cobra protagonismo. A través de una mirada atenta y poética, el artista transforma la percepción temporal, generando en el espectador una especie de pausa, una contemplación dilatada de la realidad. Mirar el mundo a través de un lente, encuadrar la realidad posee en si una dimensión subjetiva intrínseca.

Para aquellos que ya conocen un poco de su obra, es evidente que viajar ocupa un lugar privilegiado en el léxico de Cao Guimarães. Salir de casa, conocer lugares al azar y encontrar personajes espontáneos está en la raíz de muchos de sus trabajos por lo que es difícil distinguir el artista del viajero.

Las series fotográficas, y polípticos,  presentadas en esta exposición fueron capturadas en estados de ocio cinematográfico. No requirieron de grandes producciones, no hacen discursos sobre el mundo ni revelan ninguna verdad documental. Son capturas de quién mira mucho hacia el piso, como si buscase una cosa que no perdió. Mas aún, son recapturas hechas en la relectura de rollos y rollos de material bruto (fílmico y fotográfico) que el artista-editor vuelve a visitar años después del uso inicial de este material.

Cao Guimarães me envió el siguiente fragmento de la Patafísica de los Fantasmas de René Daumal:
“¿Qué es un agujero?... Un agujero es una ausencia rodeada de presencias… Un fantasma es de hecho un agujero: pero un agujero al que se le atribuyen intenciones, una sensibilidad, costumbres; un agujero, es decir una ausencia, pero una ausencia de alguien, no de alguna cosa, rodeada de presencias, de presencias de alguien o de algunos. Un fantasma es una ausencia rodeada de presentes. Y como es la sustancia agujereada lo que determina la forma del agujero y no la ausencia que rodea esta presencia, así, cuando atribuimos intenciones, costumbres y una sensibilidad a un fantasma, estos atributos no residen en el ausente sino en el presente que rodea al fantasma”.

La cita es tres veces pertinente. Primero porque construye esa definición mutable de alguna cosa por su ausente y, simultáneamente, la definición del ausente por los presentes- y eso es de gran importancia en los juegos entre viajar y encontrarse a si mismo provocados por Cao. Después, porque al hablar de agujeros, pensamos en caminos, tropiezos y caminatas con los ojos que apuntan hacia el piso- esa superficie tan predominante en esta exposición, en la que un buen porcentaje de las obras son creadas a través de encuentros fortuitos con signos, indicios sobre la tierra. Y finalmente, porque brota de la notoria, absurda y fascinante (in)disciplina de la patafísica.

Paulo Miyada

Inauguración:  26 de diciembre de 2015
Xippas Punta del Este (Ruta 10 km 164 Manantiales)


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En octubre del año 2005, y tras una intensa labor de la Fundación José Gurvich, se funda por primera vez una institución para difundir, preservar y estudiar la vida y obra del artista lituano uruguayo José Gurvich.


El Museo Gurvich fue creado como organización sin fines de lucro. Desde entonces puso a disposición del visitante una variada y completa colección de obras de arte que la familia del artista atesoró por más de 30 años. La institución mantiene una misión definida, que se identifica con promover ante públicos diversos el disfrute y conocimiento de la obra de Gurvich, como legado artístico del Uruguay y de la Escuela del Sur. Enfatiza los valores de humanismo, calidez, apertura y libertad que ella encierra. En el año 2013 la institución cerró sus puertas para rearmarse y volver a nacer en un nuevo edificio, con una mirada renovadora pero manteniendo su misma misión.

El 25 de noviembre de 2015 el Nuevo Museo Gurvich abrió sus puertas en peatonal Sarandí 522. El edificio cuenta con un moderno equipamiento, iluminación, acondicionamiento térmico y servicios de seguridad que mantienen los estándares internacionales. El museo desarrollará un programa cultural y educativo. Se realizarán exposiciones permanentes y temporarias, seminarios, conferencias, conciertos, coloquios e intervenciones de diversa índole cultural, respetando la línea y el perfil que el Museo ha construido. Del 25 al 27 de noviembre se desarrolló allí el seminario "Latinoamérica en foco. Perspectivas sobre la cultura y el arte" donde expusieron diferentes especialistas de la región.


Colección Permanente: La colección consiste en un conjunto de aproximadamente 300 obras que representan diferentes etapas de la trayectoria del artista y nos transportan en un recorrido mágico a través de la vida y evolución artística del maestro, desde su nacimiento hasta su prematura muerte. Se exhiben murales, pinturas, dibujos, esculturas y objetos de diferentes épocas, desde su pertenencia al Taller Torres García hasta las influencias de su estancia en el Kibutz Ramot Menasché. También hay un espacio dedicado a sus últimos años transcurridos en Nueva York, donde las piezas reflejan y evocan emociones diversas en el público. Además integra el acervo del Museo una pequeña colección de obras de compañeros del Taller Torres-García y de alumnos de su propio taller.

José Gurvich (1927-1974) es uno de los grandes maestros del arte visual del Uruguay. De origen lituano, logró consagrarse como uno de los pintores más destacados del movimiento constructivista uruguayo. Nació en Jieznas (Yezna en yiddish), pueblo de Lituania, en el seno de una familia humilde de origen judío. Su verdadero nombre es Zusmanas Gurvicius.

Museo Gurvich Sarandí 522-524 - Montevideo - Uruguay
De Lunes a Viernes de 10:00 a 18:00 hs. Sábados de 10:00 a 15:00 hs.
Entrada gratuita los días martes

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La exposición "Julio Vilamajó, fábrica de invención" se desarrolla simultáneamente en dos sedes. El Museo Nacional de Artes Visuales albergará el núcleo central de la muestra en el que se exhibirán más de un centenar de originales del maestro uruguayo. En el Museo Casa Vilamajó, una selección acotada de piezas gráficas se integra al conjunto de sus ambientes colaborando con la reconstrucción de la atmósfera doméstica original en la cual Vilamajó desarrolló su vida cotidiana.


Esta iniciativa se enmarca en una serie de fructíferas experiencias previas de colaboración institucional entre la Facultad de Arquitectura y el MNAV y es la primera en la cual el interlocutor universitario es el Museo Casa Vilamajó inaugurado hace apenas tres años atrás. El Museo Casa Vilamajó es además de un espacio museal que se exhibe a sí mismo, un ámbito privilegiado para la difusión del rol que la arquitectura y el diseño desempeñan en nuestra sociedad.

Julio Vilamajó es uno de los más grandes arquitectos uruguayos, y quizá el más célebre entre ellos. Formado bajo la égida de monsieur Carré y su vena francesa de base racionalista, en 1915 egresa de la Facultad de Arquitectura --fundada como tal ese mismo año-- y años después obtiene el Gran Premio (1920), lo que le permite visitar Europa (1921-24) y apreciar un universo que será clave en la definición de su propia obra.

Su producción integra aportes diversos con gran libertad y audacia, bajo un sello personal que suscribe el giro moderno sin resignar el rico espesor histórico: el legado clásico, la huella morisca y el pulso renovador conviven allí de modo distendido y novedoso. La casa Yriart, la Agencia Gral. Flores del Banco de la República, su casa propia, la Facultad de Ingeniería y el Ventorrillo de la Buena Vista condensan gran parte de su apuesta, confiada a la consideración del lugar y a la celebración del espacio.
Pero Vilamajó es también un dibujante asombroso, que detalla con precisión lo real e inventa mundos imaginarios. Ensaya una mirada larga. Escruta, recuerda, inventa, imagina. Construye un universo propio; con ojos serios y risueños, con una sonrisa calma.

Julio Vilamajó (1894-1948) fue un notable arquitecto y docente uruguayo. Ha dejado obras y proyectos fundamentales, como el de la Facultad de Ingeniería, sus trabajos en Villa Serrana, en Rincón del Bonete, y varios edificios y viviendas de enorme calidad, entre las que se cuenta su propia casa, hoy abierta al público por la Facultad de Arquitectura de la Udelar como Museo Casa Vilamajó. Sus arquitecturas se caracterizan por un admirable manejo del espacio, sensible y humanista; al punto de concretar una inspiradora reinvención del sitio donde se instalan. Reconocido nacional e internacionalmente, fue parte del selecto grupo de asesores del proyecto de las Naciones Unidas en Nueva York.

La muestra "Julio Vilamajó, fábrica de invención" recoge el nombre de una serie gráfica creada por el arquitecto y descubre aspectos poco conocidos de su prolífica creatividad. Reúne pinturas, dibujos y apuntes manuscritos de esta rica personalidad, peculiar y altamente influyente en nuestra cultura. Junto con la arquitectura, Vilamajó también se ocupó del diseño de equipamiento, alhajas y otros objetos, y ha dejado una vasta obra gráfica (imaginarios, dibujos animados, croquis de viaje, dibujos de ideación, notas) que se presenta por primera vez al público, dando cuenta del rico y variado universo creativo del maestro.

Es para la Facultad de Arquitectura de la Udelar una excepcional instancia la de poder colaborar con el MNAV en la realización de esta muestra que un conjunto de circunstancias favorables amplía en significados y resonancias. En efecto, la inauguración de esta exposición coincide con la fecha en la que nuestra casa de estudios celebra su centenario. Se cumplen también los cien años de que Vilamajó obtuviera su título de Arquitecto, como parte de la primera promoción que egresa de la nueva Facultad, luego de cursar en la de Matemáticas.

La feliz coincidencia de este doble centenario, cargado de simbolismo, se ofrece pues como una inmejorable ocasión para celebrar -y disfrutar- a un tiempo la obra de un maestro y la presencia de la arquitectura en la cultura. (Dr. Arq. Gustavo Scheps Decano de la Facultad de Arquitectura. Universidad de la República)

Equipo curatorial
Laura Alemán, Mónica Nieto y Aníbal Parodi

Organizan
Museo Nacional de Artes Visuales, Dirección Nacional de Cultura, Ministerio de Educación y Cultura
Museo Casa Vilamajó, Facultad de Arquitectura, Universidad de la República

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 21 de febrero de 2016.


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El Centro Cultural Recoleta del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires,inaugura la muestra La vuelta al mundo en 270 días, de Stella Sidi que tendrá lugar el miércoles 2 de diciembre a las 18 hs en las salas 1 y 2.


Stella Sidi nos propone una vuelta al mundo, una aventura de la cual fue y sigue siendo protagonista, un relato acerca de la búsqueda eterna de la paz y sobre la permanente configuración identitaria de nuestro país.

Esta muestra es un proyecto de valorización de la memoria vivida y recreada con el presente en forma cinematográfica, mixturando soportes, técnicas, hechos y palabras no lineales. La artista visual vuelve a sorprender por medio de su particular modo de intervención y pericia en la mixtura de técnicas tan diversas como el dibujo, la pintura, el bordado, la costura y la fotografía análoga y digital.

Un cuaderno, bitácora de viaje escrito en francés, del viaje de nueve meses de Sofía (Bulgaria) a Buenos Aires que la artista visual realizó junto a sus padres en época de crisis causada por la guerra mundial, es el disparador. Allí se da cuenta de su viaje en el cual atravesaron desiertos, mares, viajando en barcos colmados de soldados, transcurriendo días en distintos puertos hasta conseguir nuevos destinos, sin pasajes definitivos, cruzando países tan grandes y diversos como por Turquía, Irán, Irak, India, China Japón y los Estados Unidos. El viaje, concebido a través del océano Pacífico y no del Atlántico, es una verdadera vuelta al mundo.

Esta aventura fue emprendida con ansias de arribar a un destino seguro y esperanzador. La muestra es también un reconocimiento al país cobijador, Argentina, y sobre todo revalorizar una epopeya moderna desde un objetivo simple como vivir en paz, un homenaje a la gran cantidad de inmigrantes forjadores de la identidad argentina.

Stella Sidi nació en Bulgaria, pero adoptó la ciudadanía argentina. Egresó de las Escuelas Nacionales de Bellas Artes “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”, con el título de Profesora de Dibujo y Pintura. Asistió a los talleres de los maestros Domínguez Neira y Domingo Onofrio. Completó sus estudios con cursos de Historia del Arte y Seminarios de Estética en general y del Cine, jornadas de nuevas tecnologías. Ilustró poemas y libros. Desde 1983 coordina su Estudio de Artes Visuales en Buenos Aires.

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El Teatro Solís a través del CIDDAE, en coordinación con el Museo Zorrilla y la participación de la Comedia Nacional presentan una exposición sobre China Zorrilla a partir del amplio acervo documental producido en el período de esta actriz en el elenco municipal durante la década de 1950.


La existencia de diversos documentos y soportes que dan cuenta de un período fermental del teatro en Montevideo (con proyección nacional e internacional) mucho de los cuales al momento no han sido difundidos como fotografías, programas de mano, afiches, libretos, bocetos de escenografía y vestuario, notas de prensa, vestuarios y otros.

A través del procesamiento documental realizado en el CIDDAE permite generar la accesibilidad necesaria para la realización de una propuesta expositiva que muestre el trabajo y una etapa poco conocida de China Zorrilla en el teatro uruguayo, así como su contemporaneidad con otro/as artistas destacados como Margarita Xirgu, Alberto Candeau, Estela Medina, y sigue...

La participación del Museo Zorrilla y la incorporación de la dimensión familiar de la artista complementan la realización en la investigación y el diseño expositivo para este proyecto, enmarcado en el primer aniversario de la desaparición física de una de las artistas más relevantes en el ámbito local y regional.

La inauguración tendrá lugar el martes 1º de diciembre a las 19:00 hs. en el Museo Zorrilla.

  

El MAT, la Fundación Villacero y la Embajada de México en Buenos Aires presentan a partir del sábado 14 de noviembre a las 18, obras de dos escultores consagrados, uno mexicano, el otro argentino que comparten la geometría como lenguaje común.

La convivencia de las esculturas de Sebastián y Jorge Gamarra en un mismo espacio de exhibición nos permite reflexionar acerca  las diversas posibilidades de la geometría  en el arte contemporáneo.

El mundo de formas que plantea Sebastián es el de las ideas, en el sentido platónico del término. El de los cuerpos ideales, abstractos. Su base está en la matemática. En sus  obras convergen un gran número de conceptos científicos de  las geometrías no euclidianas y la física cuántica. Así, sus esferas son una reflexión sobre la relación entre el espacio y el tiempo. Exhiben los distintos estados de una forma en movimiento.

Sebastian - Esfera Cuántica Punto Cero

En tanto que las obras de Gamarra, también geométricas se anclan al mundo terrenal.  Sus  “herramientas”, inspiradas en las prehistóricas, nos hablan de la habilidad que distingue al hombre: la de transformar su entorno mediante el trabajo.

Jorge Gamarra - Sol mineral, 2013

La exposición que reúne esculturas y maquetas, es la tercera colaboración entre Argentina y México que se lleva a cabo en el MAT.

Abre al público el 14 de noviembre a las 18 y se prolonga durante el verano hasta  marzo de 2016, año del décimo aniversario de la creación del Museo.

Más información: www.mat.gob.ar

La décimo primera edición de BA Photo, la feria de arte especializada en fotografía más importante de Latinoamérica que organizó Arte al Día Internacional del 15 al 19 de octubre superó en un 20% la cantidad de visitantes y de obras vendidas con respecto al año pasado, ratificando el crecimiento exponencial del medio fotográfico en nuestro país.


BA Photo trabajó para promover el desarrollo de la fotografía dentro del campo artístico y poner en valor su producción a nivel internacional.  A través de más de diez años de trayectoria,  la feria se ha convertido en un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas, curadores, críticos, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio. Este año, propuso una mirada íntegra y plural, a través de proyectos que dieron cuenta de las diferentes búsquedas, formatos y manifestaciones que ha experimentado la fotografía desde sus inicios hasta su producción actual.

Con el objetivo de potenciar el contenido y ampliar las fronteras para nuevas audiencias se trabajó sobre nuevas propuestas y una revisión integral de los diversos proyectos presentados. El sector principal estuvo compuesto por un conjunto selecto de galerías  de arte ubicadas estratégicamente en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Fuera de Foco, el espacio de solo projects para galerías jóvenes,  llegó a su segunda edición con cinco propuestas de carácter instalativo que buscaron establecer diálogos entre la fotografía  y otras disciplinas y repitió las buenas repercusiones y críticas del año pasado, con un aumento en las ventas realizadas.

El nuevo sector dedicado exclusivamente a la fotografía antigua  que puso a disposición del público material especializado en álbumes fotográficos, daguerrotipos y otras técnicas decimonónicas fue un éxito tanto en convocatoria como por la cantidad de ventas logradas. Para esta primera edición se exhibió gran parte de la Colección Vertanessian, única en su tipo en todo Sudamérica por la cantidad y calidad de obras y elementos relacionados a los primeros veinticinco años del surgimiento del medio fotográfico. La incorporación de este sector junto a los dos anteriores permitió establecer un recorrido integral por la historia de la fotografía, su presente actual y su futuro cercano.

Se presentó como artista invitada a Luz María Bedoya, artista peruana que trabaja conceptualmente desde la fotografía, el video, la instalación, el texto, el dibujo y el audio.  Gracias al apoyo de Nidera, a partir de esta edición  también se inició un programa de homenajes  a fotógrafos que han tenido una participación activa en el campo de la fotografía argentina,  con el objetivo de recuperar y poner en valor su figura dentro de la historia local.  El primer elegido fue George Friedman, miembro de la Carpeta de los Diez  y colaborador de revistas históricas como Idilio y Correo Fotográfico Sudamericano.

“Estamos muy contentos con la realización de esta décimo primera edición. La respuesta del público no deja de sorprendernos y entusiasmarnos para continuar pensando nuevas propuestas que hagan de ésta una cita cada vez más importante.”, manifestó Diego Costa Peuser, Presidente de Arte al Día Internacional.

La décima edición del Premio Buenos Aires Photo tuvo como ganadora a Alessandra Sanguinetti con su obra  Retrato de Alora, 2014 y dos menciones especiales a las obras presentadas por Mariela Sancari y Bruno Dubner.

Dentro del sector institucional, estuvieron presentes nuevamente el Nano Festival, Banco Ciudad,  Espacio La Nación y se incorporó ArtexArte en carácter de fundación, con una exhibición de retratos fotográficos de su colección nunca antes exhibida.  Entre las adquisiciones más importantes, se incluye la compra de seis obras de Santiago Villanueva para la colección Jorge Pérez de Miami. 

Entre otras propuestas, Buenos Aires Photo presentó un nuevo espacio dedicado exclusivamente a la práctica curatorial. Un curador joven fue invitado a realizar una propuesta de exhibición a partir de la selección de artistas de las diferentes galerías que integran el sector principal. Fundación Proa  participó por primera vez de la feria a través de su librería con una selección especializada en libros de fotografía y teoría sobre la imagen.  El Palacio Duhau Park Hyatt Buenos Aires, sponsor incondicional de Buenos Aires Photo, acompañó a la feria con una muestra paralela en el Paseo de las Artes, la galería propia del hotel. Las obras del artista Matías Kritz que se enmarcan dentro de una serie denominada El borde entre dos espacios, contaron con la curaduría de Alejandra de las Mercedes Fernández. Medicus profundizó su compromiso con el arte y la cultura a través de un concurso y una muestra denominada #MiFotoMEDICUS1825 en la cual participó público amateur. Además de hacerse acreedor de una LOMO para seguir ejercitando la práctica, el ganador Daniel López recibió un voucher con una importante suma para con el cual adquirió tres obras de la galería Ortíz Mugica entre las cuales se encontraba "Sostenida en la palma" de Pedro Aznar (quien debutó como fotógrafo en esta edición de la feria). Bodegas Nieto Senetiner, acompañó la realización de esta importante cita brindando Espumante Nieto Senetiner Grand Cuvée, para que los visitantes disfruten de una manera aún más completa de su recorrido.


Desde su surgimiento en el año 2005, BA Photo trabaja para promover el desarrollo de la fotografía dentro del campo artístico y poner en valor su producción a nivel internacional.  A través de diez años de trayectoria,  la feria se ha convertido en un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas, curadores, críticos, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio.

En su próxima edición, BA Photo propone una mirada íntegra y plural, a través de proyectos  que puedan dar cuenta de las diferentes búsquedas, formatos y manifestaciones que ha experimentado la fotografía desde sus inicios hasta su producción actual.

La feria es organizada por Arte al Día Internacional junto a la participación de las galerías seleccionadas y el apoyo de distintas instituciones y sponsors, quienes hacen posible que este proyecto se lleve a cabo.

 

Hasta el 17 de noviembre de 2015 se presenta en el Museo Emilio Caraffa de Córdoba la exposición "El peso de la naranja". La muestra reúne una serie de obras de la artista Cristina Ruiz Guiñazú (1951, Malargüe, Mendoza) donde a través de un recorrido autobiográfico presenta a los personajes de su vida afectiva en espacios indefinidos y atemporales. Sus veinticinco  pinturas muestran un estilo refinado de tratamiento de la figura humana. Sus personajes, nos cuentan historias, gestos, pensamientos y miradas.


Su mundo cercano, sus afectos, los paisajes cordilleranos de Malargue, la infancia, el amor y en fin, la belleza, son concebidos como materia y presentados en el modelo inestable de la historia en primera persona; representación y espejo. Es por eso que la obra de Cristina nos obliga a un doble entrecruce de significados. Por una parte  la forma autobiográfica marca una de las lecturas de esta exhibición  y por la otra, conlleva un cuestionamiento de la condición de femineidad como artista contempóránea.


Esta muestra, es  también una autorestropectiva íntima y personal. La mano que pinta se recuerda en trozos del pasado que sueña con haber vivido.

Cristina utiliza  referencias de su historia temprana como materia  prima de sus obras.Su narración es una operación que implica fragmentación y desdoblamiento; entre el ser que es ahora y aquél que en un momento fue, entre lo que vemos, lo que nos mira y nos toca. Todo simultáneamente como en la vida. Estos son los retazos de  su historia  en nombre propio que son también espejos  de nuestra historia. Sus sueños interpelan nuestros sueños y nuestra propia biografía.


Cristina Ruiz Guiñazú  vivió su adolescencia y temprana madurez en la ciudad de Córdoba. Estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de Córdoba. Luego se mudó a París, donde vive hace más de treinta  años.
Su obra ha sido expuesta en numerosas muestras individuales y colectivas en Argentina, Francia, Holanda, Croacia, Core, México, Bélgica, España y Túnez.

Sintesis texto curatorial de María Laura Rodriguez Mayol
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A partir del 24 de septiembre el artista Ramiro Quesada Pons presenta la intervención Delirios de grandeza en las salitas del Espacio de Arte de la Fundación Osde.



El artista nos propone una experiencia sensorial a partir de la imagen y el color con la proyección de cuatro videos. A través del engaño que producen las imágenes digitales, los elementos formales son los protagonistas; su contemplación no está mediada por palabras. Como menciona Quesada Pons:
”Todo lo que se pueda escribir sobre un color jamás reemplazará la experiencia de estar frente a él”. Una obra de Fermín Eguía completa la intervención. Esta tiene una especial relación con el video El enfermo imaginario: ambos comparten ese universo donde los objetos cotidianos son humanizados en forma simpática, pero a la vez grotesca y aterradora.



Ramiro Quesada Pons nació en Mendoza en 1987. Estudia artes visuales en la Universidad Nacional de Cuyo. En 2009 participa del programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella realizando talleres y clínicas coordinados por Jorge Macchi, Diego Bianchi y Valeria González, entre otros. En 2010 forma parte del programa Entrecampos Regional y en 2012 es seleccionado como agente becario en CIA (Centro de Investigaciones Artísticas).Participa en muestras colectivas entre las que se destacan: Curriculum Cero en la Galería Ruth Benzacar, donde gana la mención especial del jurado y Estructura de ficción en el Fondo Nacional de las Artes. Ha expuesto en forma individual en el Espacio CHELA, el Centro Cultural Recoleta, ambos de Buenos Aires y el Espacio Julio Le Parc de Mendoza.


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En la mañana del 13 de diciembre de 1935, una joven estudiante mató a su padre de cuatro disparos de revolver.
Iris: "He sido yo que lo herí."
"¿qué intentó hacer saber Iris con su acto y su delirio?"(Extraviada, Raquel Capurro y Diego Nin)


A partir del 17 de septiembre de 2015 se podrá visitar en la sala 5 del Museo Nacional de Artes de Montevideo (MNAV) la exposición IRIS, La curación de un fantasma de la artista Virgina Patrone. La muestra convoca al fantasma de Iris “…la meta es la curación de un fantasma: ..un "monstruo prometedor", una supervivencia, una proyección de un hecho del pasado que no muere a pesar de haber fracasado, de haber sido negado en su momento histórico..”La exhibición consiste en una serie de pinturas de gran formato y otras de formato mediano de dibujos y textos sobre papel- un pseudo comic o novela gráfica. Se presentará además un video realizado en colaboración con Rodrigo Spagnuolo y la participación de Mariana Percovich. Según expresa Patrone "la metodología de trabajo que aplico requiere el cruce de formas expresivas, teatralizar, escribir, para luego pintar. Mi largo recorrido con Iris se inició en 1997 en el teatro, colaborando con Mariana Percovich en Extraviada, una tragedia montevideana. Continuo poco después con la realización de las primeras pinturas sobre mi propio diseño de escenografía y vestuario. Se ensanchó con el interés compartido con Raquel Capurro y otros psicoanalistas lacanianos a quienes tal vez motivé a volver sobre el caso Iris y entonces ellos multiplicaron los enfoques en sus nuevas reflexiones sobre el tema en Movida X, que reunió psicoanalistas de diversas partes del mundo en Montevideo en noviembre de 2013. La obra de Percovich está inspirada en el libro sobre el caso de Iris Cabezudo que escribieran Raquel Capurro y Diego Nin”. Acompaña la muestra un catálogo con un texto crítico del curador Jeremy Roe, una introducción de Enrique Aguerre y la colaboración de Raquel Capurro entre otros notables.La exposición permanecerá abierta hasta el 15 de noviembre de 2015.

Virginia Patrone (Uruguay, 1950). Transitó su infancia en el mejor momento de la cultura montevideana pero vivió su juventud bajo dictadura militar en permanente temor y resistencia. Ocultó su obra y su pensamiento hasta el regreso de la democracia. Con una larga y profunda trayectoria en la plástica dejó Montevideo para instalarse en Barcelona en el 2003. Cuenta con estudios superiores en arquitectura y pintura con metodología torresgarciana. En Nueva York estudió grabado y además obtuvo en 1988 una beca Fulbright. Desarrolló una intensa colaboración con artistas de su generación y proyectos conjuntos, participando en muestras internacionales individuales y colectivas. A partir de 1983 expone en diferentes galerías y museos de varios países del mundo.


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El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, presentará el 8 de octubre de 2015 La Menesunda según Marta Minujín.

Marta Minujín en el túnel de neón. Registro fotográfico de La Menesunda, mayo de 1965, Instituto Torcuato Di Tella. Cortesía Archivo Centro de Artes Visuales, Universidad Torcuato Di Tella.

Cincuenta años después de la histórica ambientación que Marta Minujín realizó junto a Rubén Santantonín en mayo de 1965 en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, el Moderno se convierte en escenario y testigo de una reconstrucción fiel que se desplegará dentro de un espacio de 400 metros cuadrados en el primer piso del Museo.

La Menesunda -"mezcla","confusión", en lunfardo- consistía en una estructura laberíntica que incluía un recorrido por once situaciones y se organizaba a partir de una secuencia de espacios cúbicos, poliédricos, triangulares y circulares, recubiertos por diferentes materiales, que generaban estímulos multisensoriales en el visitante.


La Menesunda según Marta Minujín recupera en la actualidad el conjunto de relaciones materiales, sensoriales y simbólicas que hicieron posible su existencia en 1965. Fue una experiencia de ruptura respecto a los lenguajes visuales de la década. Durante medio siglo se fue cargando de múltiples significaciones y relecturas, hasta transformarse en una obra central del imaginario cultural argentino. Hoy, el Moderno propone una experiencia que apunta a repensar la carga legendaria depositada en la obra original. De esta manera, la reconstrucción realizada en 2015 invita a hacer nuevas lecturas del pasado, pero también despierta reflexiones y sensaciones en un contexto contemporáneo.


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Continúa Xul Solar: un imaginero del Delta y, a partir del sábado 5 de septiembre el Museo de Arte Tigre presenta nuevas exposiciones con las obras de Ary Brizzi y Xil Buffone.

El MAT despliega nuevas propuestas para el mes de septiembre. Abre un nuevo núcleo de Historias en cuadros que recibe la obra del maestro Ary Brizzi (1930-2014): geometría y diseño de los años 60 y 70;  e inaugura una instalación lumínico - sonora de la artista contemporánea Xil Buffone en homenaje a Xul Solar.

De Brizzi se exhiben a modo de un ambiente de época, obras que desafían al ojo del espectador. Su geometría de la luz se expresa en pinturas, muebles y objetos de diseño que extienden el arte hacia la vida cotidiana.



En otra sala del MAT, Xil Buffone presenta una ambientación de luz y sonido Pal Almi Tigri,  inspirada en la obra de Xul Solar; corporiza en las tres dimensiones del espacio las visiones místicas de Xul. Buffone las convierte en experiencia para que se sumerja en ella el espectador.

Respecto a las nuevas propuestas la directora del MAT María José Herrera, declaró: “Es un gusto para nosotros ofrecer una infinidad de artísticas y de poéticas, en este caso estamos recibiendo dos nuevas muestras y las ya consagradas que forman parte de nuestra institución”.
Por su parte, la artista plástica, Xil Buffone, comentó: “Es la primera vez que expongo en el MAT y es un placer estar aquí. Es precioso el edificio y magnífico ver las interacciones que se dan. Ahora podes ver las obras de Xul Solar y a pocos metros se puede entrar en otra instalación Pal Almi Tigri. Sería para las almas de Tigre, y tiene que ver con recrear con luz y sonido una de las atmósferas de Xul, como si surgiera todo de una de sus acuarelas”.
Ambas exhibiciones podrán ser vistas hasta el domingo 1 de noviembre en los horarios del museo: miércoles a viernes de 9 a 19 hs, fines de semana y feriados de 12 a 19 hs.

Más información en www.mat.gob.ar

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"Entre lo efímero y lo duradero se ubica lo frágil...” expresa Julio Sánchez en el texto curatorial que acompaña Frágil, la exposición que se presenta hasta el 24 de octubre 2015 en la Fundación Federico Jorge Klemm. El concepto convocante para estos tres artistas argentinos es la fragilidad: “Pablo Lehmann avanza con un cortante por la superficie del papel para recortar letras y palabra. Lo suyo no es la exactitud de los artistas conceptuales, la exploración del concepto, sino el goce por la materia aunque sin restringir su gusto por la filosofía y la literatura..” ;“Fabiana Larrea presenta obras que forman parte de sus dos series: Intentos (para decidir que debe estar en la mente) y Los sueños breves , que constituyen un conjunto de tejidos aéreos parientes de la telaraña aunque infinitamente más complejos, con una técnica personal que puede emparentarse con el ñandutí o el crochet, y sobre todas las cosas a sus recuerdos de infancia...";"Andrea Moccio es una experta grabadora que ha usado la serigrafía de forma profesional y artesanal a la vez, su técnica consiste en imprimir papel de seda en ambos lados en forma manual para luego troquelarla con sacabocados, el papel se carcome hasta dejarlo al borde del naufragio. Logra una textura escamosa, parecida a la piel seca de una serpiente o quizá al exoesqueleto, como el que dejan las cigarras adherido a la corteza de los árboles. Sin embargo ella prefiere llamarlo más poéticamente piel de dragon..”.Con respecto al trabajo de estos tres creadores agrega el curador:  “Tanto en materiales, formato y sentido el trabajo de los tres artistas es claramente distinto. Tienen en común una técnica meticulosa, casi obsesiva, de precisión y repetición..” “Mientras que Lehmann se compromete con un trabajo más ligado al logos, Larrea trata de enrejar el vacío y Moccio acribilla el papel de seda para escamarlo, los tres trabajan al borde de la materialidad y con sus obras componen un elogio a la fragilidad".




Frágil: Artistas: Fabiana Larrea - Pablo Lehmann - Andrea Moccio. Curador: Julio Sanchez. Fundación Federico Jorge Klemm. Marcelo T. de Alvear 626 -Ciudad de Buenos Aires.



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